Художник и смерть – это одна из вечных тем в мировом искусстве. Гениев всех времён и народов интересовало и интересует природа неизведанного. Потусторонние миры, божественная сила, тайны небытия, мистические встречи уже многие столетия остаются в центре внимания мировой культуры.

Древний Египет
Тема смерти очень волновала древних египтян. Исследователи считают, что такое пристальное внимание было ничем иным, как желанием продлить своё земное существование, не омрачая его бессмысленной боязнью смерти.
Самым важным культом для египтян был культ Осириса — владыки мёртвых и царя загробного мира, который судил усопших и воздавал им по заслугам.

Древняя Греция
Смерть у древних греков была окружена большим количеством ритуалов и мифов.
Она была синонимом зла, поэтому философы через некоторое время попытались переосмыслить отношение людей к ней, говоря, что зло не смерть как таковая, а страх перед ней. Но он бессмыслен, ведь смерть уничтожает и тело, и душу человека, которая без физического «дома» рассыпается в пустоте.

Древний Рим
Римляне не слишком часто обращались к образу смерти, так как их менталитет был прагматичным и жизнелюбивым.
Стоит также сказать, что их отношение к смерти было философским, что выражалось в отвлечённой символике образов.
Самыми известными изображениями такого рода являются мозаичные картины на стенах древней Помпеи.

Очень распространённым в литературе, фреске и мозаике был сюжет «Три живых и три мёртвых», в котором рассказывалось как трое юношей встретили трёх мертвецов, при жизни занимавших высокое положение в обществе.

Смысл этого сюжета был в том, что смерть неизбежна, а все наслаждения жизни — всего лишь мгновение и иллюзия.

В эти периоды художники продолжают разрабатывать сюжеты на гравюрах и живописных полотнах, каждый раз придавая им необычную трактовку и показывая смерть с разных сторон.

Картина Джотто ди Бондоне «Оплакивание Христа» делает акцент на горе людей, потерявших любимого человека, а не на самом факте смерти Спасителя. Драматизм картине придает сцена оплакивания Марией тела Христа. Соприкосновение лица мёртвого Сына и живой Матери — трагический центр сюжета.

Здесь видно, как живописец противопоставляет жизнь и смерть. Потом, в середине XIV-XV века, поздняя готика и Северное Возрождение сделают акценты на душераздирающих признаках горя (например, рыдающая и рвущая на себе волосы Мария Магдалина), на страшных подробностях смерти. Но пока что, в начале XIV века, фреска Джотто полна античной монументальности и стоически сдержанного трагизма.

Итальянский живописец Андреа Мантенья (XV век) в своей картине «Мёртвый Христос» изобразил Спасителя, которого только что сняли с креста и обернули в плащаницу.

На застывшем лице его видны пережитые мучения, смерть стала избавлением от них.

Мантенья продолжает традиции храмовой фрески. Гибель тела становится у него преддверием вечной жизни человека, в которой автор не сомневается.

Примерно в это же время Ганс Гольбейн (Младший) создает картину «Мёртвый Христос в гробу».

Тема неизбежности смерти была постоянна для Северного Возрождения — как в литературе, так и в искусстве. Христос на картине выглядит истощённым и измученным. Смерть для него стала спасением, к которому пришлось идти через страдания.

Сюжет о смерти, танцующей с людьми, стремительно развивался.

В книгах, на стенах домов, на заборах стали появляться изображения того, как скелеты играют на музыкальных инструментах на королевских балах, сопровождают новоиспечённых матерей с детьми на руках, помогают крестьянам сеять поля и гнать стада, пересчитывают с купцами монеты, ведут за собой бродячих поэтов и монахов.

Изображался даже Папа Римский, идущий рядом со скелетом, как напоминание о том, что он — один из смертных, и его, как и всех, ждёт неизбежная смерть.

Основой для классицизма была греко-римская античность, что отражено в названии направления: французское слово classicisme происходит от латинского classicus, т.е. «образцовый».

Картины того времени, изображающие смерть, были написаны согласно искусству античной классики, которая отражала стремление человека к красоте, целостности, простоте и ясности содержания и формы.

В XVII веке появился новый образ смерти.

В качестве яркого примера можно привести произведение нидерландского живописца Якоба ван Рёйсдала «Еврейское кладбище».

Полотно составлено из традиционных для европейского искусства XVII века символов. Руины и тёмное небо создают тревожную атмосферу. Саркофаги и высохшие деревья говорят о неизбежном конце жизни. Текущий ручей включен автором в картину как знак быстрого хода времени, подводящего жизнь человека к концу.

Однако на полотне можно увидеть радугу как надежду на спасение души, освободившейся от земного бытия.

Новый виток моды на смерть пришёлся на период европейского барокко. Одним из лозунгов культуры было «Жизнь есть сон».

Искусство в то время стало подчёркнуто мистическим, стала проявляться «барочная» символика смерти и разложения.
Благодаря этому появился новый вид натюрморта «Vanitas». Такой вид картин напоминал о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти.

Романтики подошли к идеи смерти согласно эстетической тенденции своего времени. Их взгляды были обращены в прошлое, которое идеализировалось, а в смерти они находили не только ужасное, но и таинственно-прекрасное.

В романтическом искусстве новую популярность приобретают образы смерти в виде мрачного чёрного всадника и крылатого дьявола – прекрасного, но жестокого.

Популярным в XIX веке стало творчество шотландского художника Джеймса Арчера, который обратился к кельтским легендам.

Он написал серию работ, посвящённых древним героям туманного Альбиона. Картина «Смерть короля Артура» как раз из их числа.

Представители декаданса видели в образе смерти — гибели, разложении, распаде — нечто очаровывающее, а не отталкивающее.

Они изображали смерть как то, что таится в глубине самой жизни.

Это могла быть плесень в свежей на вид розе, сифилитические язвы на лице юной девушки, туберкулёзная бледность и худоба аристократично прекрасного юноши и т.д.

Символисты стремились к новаторству, использованию намёков, недосказанности.

Поэтому образ смерти транслировался ими через метафорические образы.

Основными источниками заимствования были два мотива: образы апокалипсиса и живопись Северного Возрождения.

В искусстве символизма смерть это уже не угасание тела и души, и не эстетический объект — это самоценная фигура.

Ярким примером изображения смерти в импрессионизме стала картина Клода Моне «Камилла на смертном одре».

Камилла была женой Моне, которая скончалась в возрасте 32 лет. Она появлялась на многих полотнах художника, и даже на смертном одре послужила ему моделью.

Искусство реализма продолжает одно из направлений изображения смерти: натуралистичность.

В целом, это и есть основная цель реализма — правдивое воспроизведение действительности в её типичных чертах.

Неизгладимый след в искусстве оставила Великая Отечественная война. В полотнах, где она выступает главной темой, передаются все тревоги, страх и боль, которые пришлось испытать народу.

В XX веке среди отечественных полотен пользовалась популярностью картина Кузьмы Петрова-Водкина «Смерть комиссара», на которой гибель безвестного героя показана «без прикрас».

XXI век тоже начался непросто.

Войны и жестокость не ушли из этого мира, всё так же неся за собой разрушение и горечь утраты.

Но в наше время находятся художники, которые своим творчеством стремятся не накалить атмосферу, а напротив, разрядить её.

Например, творчество Сергея Загаровского и его серия картин «Белая». Это зарисовки о буднях маленькой девочки-смерти.

Казалось бы, смерть. Что можно приписать этому персонажу кроме чёрного балахона и косы? Но у этой смерти есть семья и настоящее детство — с играми на лужайках, бабочками, птичками и выговорами от взрослых. Она милая и добрая, готова всем помочь и всех спасти.

Миссия её семьи – вовремя переправить людей из этого мира в другой, помочь им в этом «переходе». И Белая тоже помогает родителям, а после снова отправляется играть.

Картины Загаровского производят светлое впечатление и рассеивают ужас от образа смерти, который так усердно пытались создавать художники до него.

Смерть — тяжёлое событие в жизни, которое весьма трудно поддаётся отображению в искусстве вообще, а в живописи особенно, когда перед художниками, решившими её показать, всегда стоит дилемма, на чём сделать акцент. Показать ли голую правду, подчас непереносимую зрителем, или завуалировать, отвлечь, прибегнуть к аллегории или метафорам, не искажая при этом реальность.